Adrian Foster ist ein amerikanischer Organist, Komponist und Lehrer mit Sitz in Montréal, Québec. Er ist Mitbegründer und Co-Artistic Director von Earth World Collaborative, einer kreativen Plattform, die durch Zusammenarbeit neue Werke in Musik, Kunst, Film und Literatur hervorbringt.

Seine Musik ist stark von Ambient, Minimalismus und elektronischen Klangwelten geprägt.

Seine Komposition „Babylon’s Waters“ für Orgel und festen elektronischen Soundtrack ist von J. S. Bachs Choralvorspiel „An Wasserflüssen Babylon“ BWV 653 inspiriert. Das Werk ist Michael Bonaventure gewidmet.

Einojuhani Rautavaara gehört zu den bedeutendsten finnischen Komponisten des 20. Jahrhunderts. Seine Musik bewegt sich zwischen unterschiedlichen stilistischen Ebenen und verbindet klare formale Konzepte mit einer stark bildhaften, oft nordisch geprägten Klangsprache.

Auch seine Orgelwerke – darunter die „Toccata“ – stehen in dieser Tradition. Die Musik entfaltet sich in einer kühlen, fast archaischen Klanglandschaft, die an nordische Weite und Klarheit erinnert.

Besonders charakteristisch ist die Gegenüberstellung von Einfachheit und klanglicher Verdichtung: Aus einer schlichten, beinahe gregorianisch anmutenden Linie – oft nur angedeutet und kaum greifbar – entwickelt sich allmählich ein dichter, kraftvoller Klangraum.

Am Ende verdichtet sich diese Entwicklung in großen, klanglich massiven Akkordfeldern – ein für Rautavaara typischer Effekt, in dem sich Ruhe und Energie, Klarheit und Komplexität zugleich begegnen.

John Dowlands „Lachrimae Pavane“ gehört zu den bekanntesten musikalischen Ausdrucksformen der englischen Renaissance und ist eng mit seinem Lied „Flow, my tears“ verbunden. Die charakteristische, absteigende Melodie wurde zu einem musikalischen Sinnbild der Melancholie, die um 1600 als zentrales ästhetisches und geistiges Motiv galt.

Michael Bonaventure verbindet in „Love Transformed“ traditionelle Orgelklänge mit elektronischen Klangwelten und erweitert damit das Ausdrucksspektrum des Instruments. Das Werk basiert ebenfalls auf Dowlands „Lachrimae Pavane“ und schlägt eine Brücke zwischen Renaissance und Gegenwart. In der Verschmelzung von akustischen und synthetischen Elementen entfaltet sich ein emotionaler Bogen von tiefer Klage bis hin zu klanglicher Erlösung.

Erkki-Sven Tüür ist ein einflussreicher estnischer Komponist, dessen musikalische Sprache klassische, Rock- und zeitgenössische Elemente verbindet.

Seine frühe Erfahrung im Progressive Rock – als Gründer der Band In Spe – prägte seine kompositorische Energie und rhythmische Direktheit.

Tüürs Musik zeichnet sich durch intensive Dynamik, komplexe Texturen und das Zusammenspiel minimalistischer, atonaler und tonaler Elemente aus. Diese Merkmale prägen auch sein erstes Orgelwerk „Spectrum I“ aus dem Jahr 1989.

Michael Bonaventure ist ein schottischer Komponist, Organist und Mitwirkender in neuen und experimentellen Musikprojekten. Er lebt und arbeitet in Edinburgh und Amsterdam.

Sein Schaffen umfasst zahlreiche elektronische und elektroakustische Werke sowie Instrumental- und Orgelmusik. Besonders prägend sind ausgedehnte zyklische Formen.

„Celestial Objects II (Cosmic Bird)“ entstand 2023 zunächst als kurzes elektronisches Solostück und wurde später um eine bedeutende Orgelpartie erweitert. Die elektronische Ebene wird von einem himmlischen „Phaser-Chor“ und sonoren Rohrwerk-Drones geprägt, über denen die Orgel langsam ausbreitende Licht-Cluster spielt – wie der gedehnte Ruf eines seltsamen, aber wohlwollenden kosmischen Wesens.

Alfred Schnittkes „Little Piece for Organ No. 2“ aus dem Zyklus „Zwei kleine Stücke für Orgel“ (1980) steht in einem spannungsvollen Dialog mit der barocken Tradition.

Zentrale Bedeutung erhält dabei die Figur des Kreuzes, die die musikalische Struktur durchzieht und als Symbol zwischen „irdischem“ und „transzendentem“ Raum wirkt. Dichte Akkordfelder und tiefe Pedaltöne treten in Kontrast zu sprechenden Pausen und formen eine klangliche Dramaturgie zwischen Präsenz und Abwesenheit.

So entsteht ein konzentrierter, meditativer Klangraum, in dem barocke Symbolik in eine neue, klanglich verdichtete Sprache des 20. Jahrhunderts übergeht.

Giacinto Scelsi – eine der geheimnisvollsten Figuren der Neuen Musik. Er lebte zurückgezogen in Rom und verstand sich weniger als Komponist denn als Medium für Klang.

In nomine lucis („Im Namen des Lichts“) basiert auf der Konzentration auf einen einzigen Ton (Cis), der sich in feinsten Schattierungen entfaltet. Eine ähnliche Idee findet sich auch in seinem Werk Quattro pezzi su una nota sola.

Die Musik wirkt dabei nicht linear, sondern wie ein vibrierender, fast meditativer Klangraum – eine Art klangliche Mantra, in der sich der Ton ständig verändert, ohne je wirklich „fortzugehen“.

Besonders in dieser Aufführung entsteht ein eigener Klangcharakter: Durch reduzierten Winddruck sprechen die Pfeifen teilweise „unterversorgt“ an, wodurch ein leicht instabiles, schwebendes Klangbild entsteht. In halboffenen Registern treten ungewöhnliche Obertöne hervor – der Klang wirkt lebendig, fragil und in sich beweglich.

Aigerim Seilova eine in Hamburg lebende Komponistin und Medienkünstlerin. Ihre Arbeiten verbinden instrumentale, elektronische und multimediale Formate.

„Radiance“ wurde von Vladimir Magalashvili in Auftrag gegeben, für die St. Marienkirche Berlin-Wilmersdorf geschrieben und 2025 uraufgeführt.

Das Werk entwickelt sich als ein sich verdichtendes Energiefeld: Leise Klänge erscheinen, sammeln sich und beginnen, den Raum zu durchdringen, bis sich der Klang zu einer intensiven, leuchtenden Präsenz steigert.

Die elektronische Ebene bildet einen eigenen Raum und erweitert das klangliche Spektrum. Einzelne Impulse gehen auf frühe Experimente ihres Sohnes Alan mit einem analogen Synthesizer zurück.

Vladislav Uspensky gehört zur sowjetischen Orgelschule des 20. Jahrhunderts und war eng mit der Tradition des Petersburger Konservatoriums verbunden.

In der „Sonata-Fantasia“ verbinden sich drei zentrale Elemente: eine lyrische Linie, ein bewegliches, motorisches Geschehen und dichte, clusterartige Klangfelder. Die Melodie scheint sich immer wieder zu lösen und aufzusteigen, wird jedoch von den Klangballungen aufgegriffen und überlagert.

Im Verlauf des Stücks treten diese Elemente in ein Spannungsverhältnis zueinander. Der Höhepunkt entsteht dort, wo die lyrische Linie von den Clustern erfasst wird und sich in eine verdichtete, klanglich intensive Form verwandelt.